音乐字论文范文（13篇）

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音乐鉴赏论文

摘要：初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。

关键词：音乐乐感音乐鉴赏教学导入对比教学。

初中音乐乐感及音乐鉴赏教学是我国美育教学中的重要一环。同时也是陶冶学生情操的手段之一，更是提高学生个人综合素质的重要方面。本文从培养初中生音乐乐感以音乐鉴赏能力的教学原则出发，探讨了培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施，旨在交流更多更好的教学方法，促进教育系统的整体进步。

一、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的原则。

音乐教学具有其自身的独特性，与语言类学科相比，音乐学科更重视学生的个人兴趣。同时，它还需要学生投入更多的实践以及长久的训练。首先，音乐学科通过更加直白且明确的方法表达个人情感。学生在学习的过程中需要置身于不同音乐曲目所提供的场景之中，真实感受其所表达的感情。只有这样学生才可以更深刻的体会音乐的魅力。这种方式只是学生个人的感官感受，非专业音乐欣赏者亦可以做到。然而音乐教学则是通过理论教授学生怎样更好的体会音乐的美妙，以及怎样从一个专业的角度评价不同音乐。由此可见，理论教学在音乐教学中的重要性。与此同时，教师在教学过程中不可忽视的是学生的相关实践。音乐教学的实践性极强，学生只有通过实践才可以更深刻的体会相关情感。学生通过自主创作以及练习相关音乐技巧，从而可以更好的体会乐曲炫技之处。

二、培养学生乐感以及音乐鉴赏力的具体教学措施。

1。合理导入教学。

好的开始是成功的一半。而音乐教学在很大程度上对学生个人的.投入度有着一定的要求，这就更突出了音乐教学中教学导入的重要性。随着社会的发展，学生更加注重张扬个性，对于音乐、美术等学科的兴趣更大，然而理论教学毕竟存在一定的枯燥性。因而出现了众多学生对音乐非常感兴趣却不愿意上音乐课的现象。初中学生由于学业的压力等原因，在音乐课上的积极性远不及小学生来得浓厚。这就要求我们的教师注重运用有吸引力的手段进行教学。因此，教师如何引导学生正确的上音乐课，以及在教学过程中保持学生的注意力都是十分重要的。合理导入教学就是指教师利用学生的兴趣点引导学生更快的进入教学情境之中。

首先，可以利用传统的教学导入方式，例如讲故事以及成语典故等方式。故事有一定的曲折性，好的故事对学生有着重要的吸引力。学生可以跟随音乐故事的情节，走入故事中感受故事主人公的心情，从而更好地对相关音乐更加感兴趣。而成语典故则包含了一定的故事性以及相关传说等，更是传达了先人为人处世的道理等。向学生讲述成语故事对学生的长远发展也有着不可言喻的重要作用。同时，很多成语故事是学生在日常生活中常见常听的，教师讲述其中的典故更加可以吸引学生的注意力。其次，教师还可以运用游戏教学法导入引领学生更好地进入音乐课堂。初中生毕竟具有一半儿童爱玩的天性，教师在教学过程中不应该视之如猛虎，而应该正视它。只有这样才可以看到其本质，并进行合理利用。教师可以利用一些音乐小游戏培养学生的乐感，增加学生对音乐课的兴趣，这样学生就可以更加主动的进行音乐学习。同时教师更应该与时俱进，积极利用当前的先进技术进行导入教学。

2。运用对比教学。

对比教学是教师培养学生音乐鉴赏力的一种重要手段。所谓对比教学是根据一定的标准将两件事物进行一定程度上的区分。这种方法很好的培养学生独立思考的能力，以及表达个人见解的能力。音乐的对比教学法则是教师在教学过程中运用多种手法教授学生从各种对比因素分析音乐。不同音乐在音乐家的创作、演奏以及相关技巧方面也存在极大的不同。因此教师应该合理运用音乐对比教学法帮助学生全面提高音乐鉴赏能力。

首先，可以将同一音乐作品的不同演绎形式进行对比。尤其是经典作品常常会被后人进行改编或者运用不同的乐器予以演绎。然而，为什么要这样改编，改编之后的作品与前人的作品相比有什么有点与不足。教师可以引导学生从这些不同的方面以及各种角度进行分析判断，从而得出新的结论。

其次，教师还可以引导学生将不同的作品进行对比。不同主题不同类型的作品在演奏过程中的要求必然存在不同。一些炫技性的作品与注重情感宣泄的作品在表面看来是极为不一样的，但是其实质却有着本质的相同。而这些需要学生经过实际对比、思考才会真正总结出来的。《野蜂飞舞》与《春江花月夜》在很多方面有着不同。它们的主题、传达的情感已经以及演奏方式等都存在着极大的区别，然而就本质而言，它们都传达了作者内在的情绪。说到底，这两部作品在抒发作者情感这一作用上起到了殊途同归的效果。这种效果是怎样渲染出来的，学生必须通过自己的深刻思考才可以得出。不容置疑，学生这种对比性思维模式则需要教师的引导。

3。运用多媒体教学。

随着计算机多媒体的不断发展，网络技术已经深入到人们社会生活的点点滴滴之中，在教育界尤甚。音乐教师应该合理利用这一资源进行音乐教学，以便更好的帮助学生培养音乐乐感以及相关音乐鉴赏能力。互联网将世界联系成一个整体，从某一种程度上来说实现了世界资源的共享。这就很大程度上方便了教师对这些资源的收集利用以及创作型改编。教师在教学的过程中合理利用相关资源，利用创造性思维帮助学生，必然可以收到较好的教学效果。

当教师进行教学前，应该教会学生演唱相关作品，只有熟悉了相关旋律之后，教师才可以更好的带领学生领会其中的乐感并进行一定程度上的鉴赏。学生通过亲生感受可以从感性上体会相关情感，把握其中的主题。随后，教师则通过理论知识加以分析，使学生从理性上更深刻的认识相关音乐主题。

三、总结。

随着音乐的不断发展，音乐的教学方法更是多种多样。初中生的音乐乐感不是一朝一夕就可以练就的而是需要教师耐心培养。而音乐鉴赏能力更是音乐学习过程中的一种高要求，并不是人人都可以很好的鉴赏音乐的。这就要求我们的教师在教学过程中多下功夫，科学有效的帮助学生进行音乐学习。只有这样学生的综合能力才可以得以提升。

参考文献：

[1]林南国。初中生音乐教学[m]。上海：音乐出版社，2005。

[2]王俊刚。音乐感受力以及鉴赏力的培养[j]。四川：人民出版社，2009。

[3]洪科。论培养学生音乐鉴赏力的基本方法[j]。上海：音乐出版社，2008。

音乐

[摘要]随着我国经济的发展，教育的大力改革，更加注重人们的思想情感，在音乐中需要把情感融入到旋律中，音乐论文的写作主要体现出了写作者对音乐的领悟和实践的一些相关内容进行系统化和书面化的一个过程，所以，音乐论文的写作要求有一定的严格性。论文内容质量的好坏直接反映出了写作者对音乐的认识能力、理解能力和分析能力等，同时也体现出了学术的规范性和素养问题。本文主要阐述了音乐在论文的写作特点，并且对存在的问题进行分析，总结出解决问题的办法。

随着我国国际地位的不断提高，音乐有了很大的发展，注重旋律的同时也比较注重情感的投入，很多研究者和兴趣爱好者通过音乐论文写作来发表白身的观点和见解。规范的音乐论文要求体例和格式的绝对正确，并且应提高音乐论文的写作质量，只有这样才能写出好的论文格式。我国很多音乐论文写作者在写作中还存在一定的问题，比如，选题角度和写作技巧等，使内容和格式出现了不同程度的不足，因此，在此基础上需要对种种问题进行分析并解决，进一步推动音乐学术论文的规范化。

（一）创见性。

创见性对于音乐论文写作具有关键性的作用，它是进行科学研究的核心。创见性有两层含义，一个指的是观点的新颖和新方法的提出，另一个是指根据新观点来打破旧观念，用新的认识和方法来替代旧的认识和方法，也可以表述为对前人事物认识的一个补充和综合。在音乐论文写作中可以看出，所有的论文中存在大量的抄袭和剽窃现象，对他人的音乐论文作品进行复制，粘贴，成为自己的作品，真正有学术价值的少之又少，真的做到理论和实践相互结合的微乎其微，在此种情况下就失去了论文的创见性。

（二）学理性。

人类的各种活动最主要的是靠理性认识，它是人类活动的高级阶段，是对一件事物本质的认识。人类对一件事情的理性认识最终的结果就是理论，这种理论必然有一定的事物高度和深度等特点，所以，学理性在很大程度上成为了音乐论文写作的诉求，这种诉求的表达就需要写作者尊重科学、论点正确、推理符合一定的逻辑和论证严密等，在此基础上还需要做到判断的正确性，对自身音乐的研究结果持肯定的态度，对他人的研究成果应实事求是，只有这样才能在论文中真正表达自己的诉求。

学理性有一定的成果和一定的理论高度，主要表现在两个方面：成果和理论高度。学理性特点要求写作者对自身提出的各种要求进行深入的分析和不断的探讨，敢于假设推理，得出具有科学价值的结论；另一方面，写作者还需要对自身提出的见解进行系统的论述，做到原理阐述、权威论断和前人的引用，提高文章的说服力，达到一定的论文水平。

（三）规范性。

音乐论文的规范性主要包括两个方面：音乐理念的规范阐述和论文格式的规范书写，在进行论文的写作时，由于论文的文体有所不同，使写作格式，规范性和体例等也有一定的分明，呈现出的论文在一定程度上也有很大差异。早在中国古代就有人把文章分为“四科八体”并且详细的介绍了其中各个不同的文体特征。

音乐论文的写作是论说文的一种形式，根据论文的结构来分析，很大程度上包含标题、署名、序言、本论和结论几个部分组成，这几个部分构成了音乐形式的论文，它和学术论文的格式有很大的区别，学术论文主要包含了摘要、关键词、注释、参考文献、作者简介等几个部分构成，不管是哪种论文都对语言的要求很高，一般情况下要求简练、通顺，层次分明，逻辑严密等，与此同时，使用的表格和图片要在最大程度上符合论文观点的要求。音乐学术论文在格式和规范方面问题比较突出，写作者在写作时，错误的地方比较普遍。

（一）选题问题。

音乐专业的学生每天接触最多的就是音乐方面的知识，很少涉及到文学，音乐论文很大程度上是学生第一次进行规范化，系统化的文学创作，所以很多学生根本不知道该怎么写，最让学生止步的是对论文的选题，没有一个明确的选题方向，使得论文无从下手。由于学生日常对文学知识积累不是很多，在选题中就出现了一些思想重复，内容空洞和宏观过度等情况的发生。通过对学生的音乐论文进行对比观察发现，大多学生喜欢以浅谈为中心进行论文的学做，比如，《浅谈音乐与文学》、《浅谈中国民间歌曲》等方面进行选题。这些题目的选择内容不但空乏，并且讨论的范围比较大，涉及到的学科比较多，很大程度上使学生由于没有更多其他学科知识而出现力不从心，到最后就出现了东拼西凑的情况。

（二）写作技巧问题。

音乐论文的写作除了格式正确之外更多的是写作水平的高低，写作水平的高低在很大程度上又体现在语言表达能力上，因此，音乐专业学生对文学专业知识的积累不够，平时又不太喜欢阅读和写作，长此下去使得学生语言表达能力逐渐下降，对一个问题不能够用简洁的语言对其进行描述，因此，学生应加强自身的语言表达能力。论述的描述在很大情况下只有感性的描述，理性的描述比较少，所以，很多时候会把论文写成总结或者报告。在对音乐论文写作过程中对资料的使用也存在很大的问题：1）学生对直接引用和间接引用两者混为一谈，不能够对其进行恰当的运用，就出现了对他人的研究成果抄袭的现象；2）在写作时，没有对参考资料进行必要的分析，采用了很多的引用和转述语句，导致整篇文章没有自己的独到见解和所要表达的意思。

（三）写作规范问题。

随着我国对学术历史的不断深入研究，学术水平有了很大的发展和提高，对学术的研究也有了很大的进步，于此同时，对论文内容各个部分的要求也越来越高，不但如此，学生所写的音乐论文也必须保证论文格式的规范。但是，很多学生在进行音乐论文写作时，对写作内容格式的规范性不清楚，对论文最基本的格式都不知道，写出的音乐论文格式都不具有规范性，对此种情况有人提出建议说，对于格式问题由打印部进行统一的处理，这种情况在一定程度上很难行得通。我国一位文学家曾经说过：“严格的形式规范是使学术健康发展的基本保证。”音乐论文在写作时如果能够对格式进行严格的规范，那么，音乐论文将能得到更好的进步。

（一）选题要注重与音乐基础课程的衔接。

学生在进行音乐课程时要培养其学术兴趣，这就需要学生在日常学生中有发现并解决问题的能力，只有这样才能够对学术研究产生一定的兴趣。

教师在论文写作教学中要有多种知识的运用。音乐专业和其他专业的联系程度有限，使得学生其他专业知识比较少，音乐论文的写作趋于综合，所以，教师在音乐课程讲授的同时，还应涉及到其他学科的知识，让学生音乐学习中了解论文内容并且进行系统的掌握，比如，在音乐专业的基础上，对文学和历史等专业知识进行必要的学习。

（二）多种渠道扩大学生知识面。

由于专业课程的讲授只关注一个方面的知识，对其他知识涉及到的比较少，音乐专业知识和其他专业相比有一定的单一性，使学生在论文的写作和选题上受到很大的限制，所以，在此基础上应采用多种方式来扩展知识面，对这种知识单一的现状进行必要的改善。

对音乐系中的选修课内容进行必要的丰富，教师鼓励学生根据自身的兴趣对课程进行选修，以此来扩展学生的知识面。通过这种选修课程来弥补文化知识。还可以通过组织一些文化活动来提高学生对文化知识学习的兴趣，能够大大增加学生的阅读量，并且养成阅读的习惯。

（三）实行论文辅导导师制。

随着我国在国际上的地位不断加固，对教育进行了全面的改革，很多高校建立了本科生导师制，使学生和导师进行直接的对话和沟通，导师对学生的思想和学习进行必要的分析和指导。这种指导对音乐专业的学生来说有很大的帮助，因为音乐专业教师讲究的是技巧性，不能够和学生之间建立起真正的沟通关系，所以，导师在其中的位置非常重要。导师对音乐专业学生比较重要，如果导师能够做到以下两点就能够使学生的音乐论文水平得到提高：1）给学生介绍音乐界学术情况，提高学生兴趣；2）提高学生发现问题的能力。

（四）提高学生对音乐论文写作重要性的认识。

音乐专业不管是从内容结构安排还是性质上来讲，和其他专业有很大的不同，学生接触到最多的是音乐的技巧，并且每天要进行大量的练习，在练习的过程中消耗了很多的时间，长此下去，使很多学生在很大程度上失去了对文学学习的兴趣，还有很多学生片面的认为，音乐专业的学习只要把握好音乐方面的知识就行了，所以，学生对音乐论文的写作没有引起足够的重视，在学习文学时只是草草应付，毕业论文质量的高低不影响音乐专业课，使很多学生出现抄袭行为，蒙混过关。

由上文可以看出，音乐学术论文的写作要求比较严格，不单单是格式的问题，还涉及到学术规范和研究等具体问题，通过对研究问题进行规范化使音乐论文得到更大的发展。实质上，音乐论文的写作能够在很大程度上锻炼学生对音乐的理解，学生在其中不但能够学习到各种研究技巧和写作技巧，而且对所学知识也可以进行必要的巩固，使实践和理论相互融合，为以后的问题分析和解决打下良好的基础，这对音乐的长期发展有很大的积极作用。

音乐

每样东西都有不同的优点。每一件事都令人陶醉。音乐，让我陶醉，问我为什么？正因为音乐有它独特的魅力，使我陶醉，使我坚强和勇敢，这使人做白日梦，就像美丽的月光，音乐使我。

当我和同学吵架，互相吵架的时候，我陶醉在那首美丽的歌谣“友谊地久天长”中。音乐有一种力量促使我与朋友相处融洽，这就是音乐的魅力。每当我想念它，担心它，“担心”这首歌也会在我的耳朵里响。我喝醉了，我的眼泪会掉下来。这首歌里的每一个字都让我感触很深。这就是音乐的力量。每当我委屈，难过。当我悲伤的时候，“夜晚当星星哭泣”这首歌不断地在我的耳朵里回响。我将仰望群星，告诉自己不要再哭泣，要向群星学习，努力闪耀，不要悲伤。每当我在学习中遇到困难时，我都会听到“放开自己”这首歌，我也会学会放开自己，努力冲刺，战胜困难，勇敢前行。

流行音乐论文

我国流行音乐的发展受相应政治、经济、文化等诸多因索的制约，有其独特的发展轨迹。本文以我国流行音乐近30年的发展为线索，回顾了我国流行音乐30年的发展概况，发现其存在的问题，并提出解决的对策建议。

流行音乐（popularmusic，简称popmusic）起源于美国的爵士音乐，基于其广泛传唱、流行一时甚至流传后世的“流行性”传播特性，流行音乐亦可称之为“大众音乐”。流行音乐植根于大众生活的丰厚土壤之中，从上世纪70年代末在我国历经30年发展，流行音乐的广泛传播对我们的生活产生了深远的影响。

流行音乐在改革开放30年来的发展，是我国音乐文化发展的一个重要方面，也是音乐商品化、国际化，传播手段现代化、表现方式多元化的过程，对繁荣社会音乐生活起到了巨大的积极作用。近观30年的发展历程，可分为以下几个阶段。

1、复苏开拓期。

20世纪70年代末到80年代中期，特别是以1978年十一届三中全会“改革开放”的国策提出为触发，我国政治、经济形势引发了巨大变革。在音乐文化领域，从意识形态方面政治主导、高度一致下的革命歌曲一统天下，逐步发生了向抒情歌曲、娱乐性流行歌曲的转换。

在大陆，原创音乐方面，如施光南的《祝酒歌》、《在希望的田野上》、《打起手鼓唱起歌》；王酩的《边赣泉水清又纯》、《妹妹找哥泪花流》；王立平的《太阳岛上》、《大海啊故乡》、《红楼梦》；谷建芬的《校园的.早晨》、《年轻朋友来相会》。还有《牡丹之歌》、《在那桃花盛开的地方》、《十五的月亮》、《我们的生活充满阳光》等时代主流音乐。此外港台、欧美音乐也成为国内流行音乐的重要组成部分，如邓丽君、山口百惠、刘文正、谭咏麟及披头士等，国内流行音乐文化市场空前活跃，流行音乐走上了发展的快车道。

2、高速发展期。

20世纪80年代中到90年代末期，流行音乐文化市场逐步发展和繁荣。基于录音机、唱片（磁带）的快速普及，流行音乐个体化听赏逐渐成为主要的消费方式，以新兴的音像产业为核心，内地流行音乐市场不断拓展。同时，电视传媒迅速崛起，成为又一个覆盖面极广的传播媒介，电视歌手大赛出现美声、民族、通俗的专业分类，唱法的细划在一定程度上使流行音乐的文化地位得到认可和提升。在新兴艺术市场的需求方面，晚会歌曲、影视剧主题歌曲、唱片歌曲逐步成为推动流行音乐创作和繁荣的重要因素。

国内原创作品呈现空前繁荣局面，流行音乐的创作与演唱人才聚集，影响较大的如“西北风”，代表性作品有《一无所有》、《信天游》、《黄土高坡》、《我热恋的故乡》、《心愿》等。抒情流行歌曲如《我多想唱》、《我不想说》、《弯弯的月亮》、《涛声依旧》等；摇滚音乐《一无所有》、《朋友》、《赤裸裸》等。

3、多元繁荣期。

进入21世纪，世界经济文化发展日益网络化、全球化、一体化，互联网应用普及，数字化应用提速，音乐艺术传播途径更加快速便捷。在国内流行音乐领域，港台音乐、欧美流行文化的无障碍输入，使我国社会音乐生活面临新的巨大变化，呈现出多元化发展的新特点。

首先是音乐需求的多元化。大众传播媒介的迅速发展使音乐文化的社会需求量极剧扩大，多元化受众使流行音乐风格更加多元化，流行音乐品种更多，如“雷鬼”、“饶舌”、“嘻哈”等等。其次是音乐创作多元化。数字化电脑音乐制作技术的普及，电脑录音系统的家庭化都极大降低了流行音乐合成录音成本以及创作门槛，流行音乐的创作或生产者更加层出不穷，良莠不齐。再次是传播媒质多元化。除广播、电视、影视传媒、发行cd唱片等传统传播方式外，流行音乐具备了更多的传播载体，如mv制作发行、网络歌曲、彩铃、手机音乐等，特别是网络成为推动音乐传播强劲引擎，网络原创歌曲越来越受到社会的关注，成为近年来流行乐坛的一大亮点。

至此，流行歌曲创作的技术手段不再受传统方法或传统模式所制约，正探索性地走向一条自由创新发展的新路。这也必然刺激和促进了音乐创作的发展和繁荣，为流行音乐的发展注入了新的活力，它在一定程度上满足了广大受众的欣赏需求，使音乐更贴近人们生活，极大普及了流行音乐艺术。

中国流行音乐创作是中国音乐文化发展的一个重要方面。国内流行音乐30年来的发展与倔起虽然生气勃勃，但也有严重的先天不足，凸显出这样那样的问题。

首先，行业发展的无序化状态依然存在。由于历史和现实的原因，在我国当前环境下，国内流行音乐市场的无序状态依然存在，一些必要的行业规范、运行机制和市场秩序尚未完善，缺乏有效的法治，盗版现象普遍。其次，深层次的理论研究依然薄弱。国内流行音乐创作深受港台影响，加之欧美强势文化的渗透影响，窃用与拷贝旋律或节奏的现象普遍，原创精神缺失，理论研究依然薄弱。再者，流行音乐创作人才依然缺乏。在网络传媒推动下流行音乐创作泛化，大多数网络歌手、网络词曲作者并不具备扎实的专业演唱技能和词曲创作基木功，加之制作设备简陋，在歌词、曲调以及音乐制作、录音合成上都有进一步提高的空间。在内容上泛化和平面化，对音乐的艺术内涵缺乏进一步挖掘，有些作品甚至带有明显的低俗倾向，歌词粗俗、曲调怪异、脏话连篇。

时代背景决定了流行音乐的发展方向，流行音乐同时也真实的反映了当时的时代背景。因此，两者是互相影响，互相发展的。生产力是音乐是决定性因素；面对现实，面向我国实际国情的发展，商业化运作得当是促进流行音乐发展的最好方式。市场化，国际化是中国音乐文化走出世界的最佳方式，也合乎社会主义文化发展的要求。中国近10年来的流行音乐创作既有浓重的民族意识，也有包容世界的胸襟，这为它进入世界文化提供了可能。虽然这条路上，目前还有许多不尽如人意之处，但它所拥有的潜力是毋庸质疑的，中国流行音乐来自大众，亦将为大众所拥有，相信经过进一步深入探索磨合，中国流行音乐的前景必将辉煌。

[1]李庆玲，王蕾，赵耀。流行音乐对青少年的影响及应注意的问题[j]。渝西学院学报（社会科学版），20xx，4（3）。

[2]金白颖。也谈中国流行音乐特点及发展问题[j]。黄河之声，20xx。

[3]张海英。流行音乐的概念特征及其对当代大学生的影响[j]。牡丹江大学学报，20xx，18（5）。

古典音乐论文

通俗古典音乐是当代新兴的音乐形式，是文化融合和音乐发展的必然结果。古典音乐文化底蕴深厚，旋律经典、优美，通俗音乐表达形式丰富，表达手段多样，因此集二者优点于一身的通俗古典音乐有着深厚的文化内涵和丰富的文化表达，是当前音乐发展和文化发展的主要趋势。下面本文将从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现进行探析。

通俗古典音乐是以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行重新演绎，因此通俗古典音乐具有融合两种音乐艺术特点的表达方式，这也是通俗古典音乐的基本艺术特点。古典音乐有着悠久的历史和深厚的文化沉积，在漫长的发展岁月中流传下来很多经典的音乐曲目。通俗音乐则是近代发展起来更加贴近人们生活的音乐表现形式，具有当前最广泛的听众基础。因此，融合了两种音乐艺术特点的通俗古典音乐在音乐艺术的表达方式上能够兼两者之长，以更加丰富的表现方式表达音乐中的各个经典。通俗古典音乐让古典音乐通俗化，让通俗音乐经典化。通俗古典音乐可以从通俗音乐中汲取更加丰富的表现形式，更具色彩的舞美效果，更具现代特色的时代气息，同时还可以从古典音乐中挖掘更具文化力量和内涵的音乐内容，从而在艺术表达方式上实现雅俗共赏的表达效果。

《春江花月夜》原本是一首中国古筝独奏曲，在经过现代手段改编后，曲中添加了琵琶、笛子等其它中国民族乐器，成为了一首更具时代气息和古典韵味的中国民乐协奏曲。改编后的音乐由于增加了乐器从而使得音乐表现力得到了加强。此外，改编者还对原音乐节奏和衔接进行了更改，使得音乐更具动感的艺术表现力。通俗古典音乐便是在保留古典音乐主题思想的前提下对音乐进行从音乐内容到表现形式等方面的包装，使得这些古典音乐更加符合现代人的音乐需求和感知变化。当代著名小提琴手陈美便是对古典小提琴演奏进行了大胆的通俗化改革，并首先使用电子小提琴进行演奏，将融合两种音乐艺术特点的通俗古典音乐表达优势表现得淋漓尽致。她改编的《化蝶》既有古典音乐的婉转动人，又有现代音乐的激昂、壮美，将生死缠绵的爱情主题表达得更加彻底。改编后音乐在表现梁山伯与祝英台两人由相识到相爱的过程时曲风秉承中国传统古典音乐的舒缓、悠扬，喜悦、亲切，让听众如醉如痴而在表现两个人无法在一起时又采用电子小提琴激烈的演奏方式，将两个人与命运抗争的悲愤表现得壮烈、激昂。由于融合了古典音乐和通俗音乐的两种表达方式，因此这首改编后的《化蝶》一经推出便受到了音乐爱好者的追捧，其观众群体也包括了不同年龄段的音乐群体。由此可见，将古典音乐和通俗音乐融合而成的通俗古典音乐，在音乐表现方面并没有失去古典音乐的文化底蕴和流行音乐的表现能力，也没有失去两个不同音乐受众群体的观众。不同的音乐爱好者都能在通俗古典音乐中找到自己所钟爱的音乐元素，并且喜爱这种新型艺术的表达方式。

无论古典音乐还是通俗音乐，都是文化的重要表现形式和主要载体。即使单独分析古典音乐或者通俗音乐，不同地域的古典音乐和通俗音乐也都有着文化上的差异，例如，中国的古典音乐和欧洲的古典音乐就有着较大的文化差异，不同国家和地域的通俗音乐也都有着各自鲜明的文化特色。因此，将古典音乐通俗化过程中所进行的通俗古典音乐中可以看到更多对于文化的多元化表达。古典音乐通俗化的发展背后是世界各民族文化互相学习、交流和融合的结果，因此这个过程是对文化进行多元化表达和融合的过程。从层次上看古典音乐和通俗音乐属于不同的文化形态。古典音乐是不同民族传统文化或者古典文化的集中体现，例如，中国的古典文化便体现着中国传统文化中“天人合一”的道家思想。欧洲的'古典音乐则体现着欧洲古典文化中对于礼教的规范和对科学的研究。而通俗音乐则表现的是在当前社会发展的状态下，普通大众人们的文化意识形态，即以各种音乐形式和文化形式来表达心中的情感，而不再过分强调表达的形式，打破形式上的束缚，是通俗音乐最主要的文化特征。

通俗古典音乐则是以更加开放、自由的形式对不同文化的表达和致敬。中国年轻歌手李玉刚演唱的《新贵妃醉酒》从名称上看便是一首对古典音乐重新演绎的曲子。演员的服饰也深合中国古典文化的内涵。但在演唱的风格和唱法上，李玉刚则展现了在古典音乐和通俗音乐之间游刃有余的演唱功底。其中，无论是对于歌曲通俗唱法的叙述还是对于歌曲升华时中国传统旦角唱法的演唱，李玉刚都演绎得尽善尽美。这首对于文化多元化表达的古典通俗歌曲一经推出，便深受不同层次音乐爱好者的喜爱。通俗古典音乐的文化魅力可见一斑。美国著名的跨界歌手莎拉·布莱曼便是一位融合古典和通俗两种演唱风格于一体的著名歌手。北京奥运会上她演唱的主题曲《我和你》让全世界人们感受到古典音乐的空灵和现代音乐的激情完美融合的音乐佳作。而在演唱的背后，是莎拉·布莱曼音乐学习过程中对于两个层次的文化进行学习和理解的结果。通俗古典音乐对于文化的表达内涵和表达形式更加丰富和多样，是对文化多元化表达的体现。

1编配手法改变。

在通俗古典音乐的创编手法中，编配手法改变是其最常用的创编手法。古典音乐虽然在创作的格式上不如通俗音乐那样自由和丰富，但其漫长的积累和沉淀是新兴的通俗音乐所无法相提并论的。古典音乐中经典、优美的旋律举不胜举，并且经过代代相传在人们心中留下了深刻的印象。因此，对于古典音乐中一些旋律的借用变成了通俗古典音乐创编的主要手法。例如，中国的古典音乐《茉莉花》原本是一首江苏民歌，因为其旋律优美，流传甚广，深受广大听众的喜爱，因此被中国乃至世界的众多音乐家重新编配出各种不同版本的《茉莉花》。同样迷人的旋律，因为编配手法的改变而使得音乐在不同的地区散发出不同的色彩。上文所述陈美演奏的《化蝶》从创编手法上看同样是一首用通俗的编配手法对古典音乐进行创编的过程。创编者对这首古典的曲目进行了深入的分析，通过编配手法的改变对曲子中的旋律情感进行加强，尤其在表达两个人在和命运进行抗争的旋律时，通过电子小提琴演奏的编配使得曲子的基调变得格外激昂、壮烈，这是传统旋律中所无法达到的艺术效果和文化效果。对于古典曲目创编手法的改变同样体现着不同文化在音乐表现上的融合。通俗音乐中自由、开放、丰富的创编方式体现着现代流行文化中对于情感表达的自由、开放和丰富。因此，对于古典音乐运用现代文化的创编方式进行重新编辑是现代文化对于古典文化重新解读和演绎的过程。例如，中国的传统音乐中多以单乐器表演为主，这源于中国传统乐器多取材于自然，因此单乐器演奏更能够表达人与自然的和谐关系和意境。而现代文化中多文化的交流与融合已经成为了文化发展的主流趋势和动力，因此人们在对古典音乐重新编配时，自然引入了更多的乐器来表现更加复杂的情感内容和文化内容。此前一些不曾有过的乐器搭配在新时期的通俗古典音乐创编中被全新地组合和搭配在一起。文化的融合为创编方式的融合提供了文化基础和动力。经过创编后的通俗古典音乐在保留原古典音乐文化内涵的基础上又增添了多元化的文化形式。

2音乐元素的融合。

通俗音乐中的音乐元素更加丰富，音乐表现上也更加注重对各种音乐元素的运用。灯光、舞美、音效、服饰等都被十分重视地运用到音乐表演中。在通俗古典音乐中，创作者通过对各种音乐元素恰到好处的改变，将古典与通俗两种音乐完美地融合在一起。如上文所述的莎拉·布莱曼在一场演唱会中为了突出“月光女神”这一主题，设计者用圆形的幕布将舞台四周围起，并通过灯光的变幻营造出一个神秘的宫殿氛围并且根据演唱的曲目而不断变化着场景。在演唱《月光》时，站在舞台中央的身穿黑色纱裙的莎拉的歌声在上空悠悠地回旋，舞台布景随着天籁般的音乐变成了一个广裹的夜空，上面点缀着星光。无不带给人以巨大的视觉冲击力。演唱会灯光的运用可谓是恰到好处地把握了音乐的脉搏，如同人的情绪一般非常好地调节了现场气氛。当音乐的旋律低缓时，灯光也变得暗淡。当莎拉演唱《今夜无人入睡》时，原先一直固定不动月亮形状的天桥这时开始旋起来，此刻身穿一身金光闪闪的演出服的莎拉站在天桥的顶端。当莎拉用她那极具难度的高音唱出歌曲最后一个音符的瞬间，舞台上所有灯光全部聚集在这位女神身上。完美的舞美、灯光和音响效果为这场融合古典和通俗音乐元素的演唱会画上了圆满的句号。一次完整的音乐表演是由各个音乐元素组成的，因此通过不同文化风格、艺术风格和音乐风格的音乐元素组合而成的通俗古典音乐对于音乐和文化的多元化表达起着十分重要的作用。其中古典音乐元素中的旋律和主题是灵魂，而通俗音乐元素中的舞美、灯光、音效等形式是躯体。两者的完美融合必然塑造出具有灵魂，表现充实的音乐文化作品。同时，不同音乐元素的融合也体现着多元化文化的融合，具有更具时代性的文化创作。

3音乐结构的改变。

对古典音乐结构进行大胆的创新和改变，创造出兼具古典音乐和通俗音乐结构的新型音乐是通俗古典音乐发展过程中的重要过程。每一首音乐的创作都源于那个时期特殊的文化背景和创作者的情感状态。在古典音乐发展的漫长岁月中，音乐人对于古典音乐尤其是一些经典音乐曲目只有传承而稍有创新，更不用说改动。代表着文化融合的通俗古典音乐由于丰富了音乐的创作手法，因此便开始了对古典音乐结构改变的创新式设计。例如，现代著名的钢琴演奏家理查德·克莱德曼便善长对古典音乐结构进行创新和改变。在他演奏的贝多芬《命运交响曲》中的《命运》不但承袭了贝多芬的庄严宏伟以及与命运顽强抗争的音乐精神，同时用动感而鲜明的节奏把贝多芬的这首乐曲“摇滚”化了。在演奏的开头，理查德·克莱德曼采用了猛烈的键盘敲击来表达命运所具有的壮烈、激昂等主题属性，之后又改用辽阔的旋律表达了与命运抗争胜利之后的安宁与喜悦。前后音乐结构的巨大反差将贝多芬的名言“如果这是命运，我要扼住命运的喉咙”表现得淋漓尽致。钢琴曲的原结构虽然同样用于表达贝多芬与命运抗争的主题，但强烈之中缺少变化，所以表达的情感虽然强烈却并不丰富。理查德·克莱德曼对这首乐曲结构的改变无论从情感的表现上，还是音乐的变化上都是十分成功的。由于融入了不同的文化内涵所代表的音乐结构，这首改编后的钢琴曲也成为了通俗古典音乐中一个重要的符号被广泛研究。

古典音乐是人类重要的文化遗产。那些经典、优美的旋律是人类千百年来文化和智慧的结晶。以通俗音乐的表达方式对古典音乐进行新的创新和演绎是当代对古典音乐重要的传承方式。通俗古典音乐不仅表现着两种不同音乐形式的融合，也承载着不同文化的交流与融合。本文从通俗古典音乐的艺术特点和创编手法两个方面对通俗古典音乐所体现的文化融合和表现所做的分析为中国通俗音乐的发展和古典音乐的传承起到了积极的推动作用。

音乐

我是个热爱音乐的人，喜欢音符索绕身边的美妙感觉。我会为了一首想听却总是听不到的歌而怅然若失，会为了一张cd上的一首曲子跑遍城市所有的cd店，会为了自己喜欢的歌手的声音而激动得忘乎所以……音乐的魅力是无法估量的，不费吹灰之力就几乎让全世界成为它的俘虏，成为它永远忠实的fans。不同时代的音乐都有属于自己独特的风格和历史，也是时代特征的体现。上个时代的校园民谣是当时音乐的`主宰，叫得最响亮的名字莫过于高晓松。高晓松的歌词是一条青春的河，轻而易举地将人浸润。老狼《同桌的你》听上去很是舒服，也很惬意，不知寄托了多少人青春时代的甜蜜梦想。

以前，音乐人在众人眼中必须是全能的，会作词、作曲和演唱。现在的音乐将过去颠覆，开创了我们特有的音乐新时代。我想首席代表必是jay——周杰伦，昨日双截棍舞得很漂亮的无名小卒，今日声名鹊起的实力歌手，明日万众瞩目的天皇巨星。他的迅速走红并未带来太多惊叹的目光，似乎在意料之中，他的专辑销量一直居高不下。有人批评说他咬字不清，我认为这也正是他的独特出众之处。他的大多数歌都是自己作曲的，一种modern的曲风，糅合了一种蒙眬感，让意韵与心境得以含蓄却又淋漓尽致的呈现，让曲韵的表现力和张力及其鉴赏性得到极致发挥。或是躁动不羁，或是温婉缠绵，百变风格让人欲罢不能。这就是我们这个时代音乐的突出特点——张扬个性。周杰伦应该算是当今流行歌手中很成功的一位了。我做了一项民意调查，调查显示：大部分人以为jay的作曲及演唱方法是非常成功的，极少数持否定意见的人也只是不喜欢他曲子的风格和类型而已，可见周杰伦的音乐才能是毋庸置疑的。唯一遗憾的事是jay不会作词，不过会不会作词在当前似乎关系不大，很多歌手是连曲也不会作的，这也就是为什么我们现在严格地将音乐人和歌手区别开来的原因。jay的歌被广为传唱理所应当，但我建议大家不要一味地模仿。jay对于他的字音清晰问题可以处理得很好，如果大家盲目模仿，一旦丧失了原来良好的发音能力，可就要抱憾终身了!

说完了周杰伦，我不知道该谈谁了，在不断推陈出新的娱乐圈里，想找到一位时代的代言人，也着实不是易事。每个人心中皆有杆秤，每个人心中都会有自己对时代音乐的认识，所有的都要留给你们自己来细细品味。

音乐

摘要：音乐与绘画是两种不同的艺术门类，但两者存在着许多关联之处，涉及到艺术家身份的关联、观念上的继承、理念上的认同等等。既然它们同属于艺术就一定存在着共同之处。

音乐既是听觉艺术，又是时间艺术，还是动态艺术，它在一定的时间里，以乐音和噪音的持续运动来表现自己，它以音响在持续或间断的运动中体现着“以声表情”、“声情并茂”的艺术形象。音乐可以说是心灵的艺术，它通过音响来表达感情或形象，使欣赏者的心灵产生或震撼、或愉悦、或平静、或心潮澎湃等等各种各样的感受，并以引出欣赏者在情绪上的共鸣为己任。

绘画是视觉艺术、空间艺术，也是静态艺术。画家将线条、色调及其他形式勾勒出一定的具象或抽象的图形，从视觉上给观赏者以强烈印象，并引起各种情绪的反映，产生审美刺激。

音乐与绘画各自通过不同的媒介物、用不同的艺术表现手段，向人们传达着作者所要表达的内容和情感。音乐与绘画是两种截然不同的艺术形式，如果论及它们之间的关联，不得不先论及艺术家身份的关联。

一、艺术家身份的关联。

许多艺术家本身既是音乐家又是画家，如康定斯基、勋伯格、达芬奇等等。

康定斯基（wassilykandinsky，1866—1944）是俄国表现主义绘画的代表人物之一，他同时又是一位精通音乐的人，他与表现主义音乐的代表作曲家勋伯格（a。schoenberg，1874—1951）交好，并特别喜爱听勋伯格的作品，在听其管弦乐时常会感到“眼前有如乱发一样的无数的线条在狂舞”。由于康定斯基本人也可说是音乐家，故而其绘画作品接近音乐的性格，他以暴风一样的激情的情感、火焰般的强烈色彩、表现内心的感动，并赋予色彩、画面以音乐性，如他的《浪漫的风景》，描绘了几匹从山坡奔驰而下的马，骑者被弹的很高，那激烈运动的色点、具有动感的大色块、以及横穿画面的斜线，如同被演奏着的一首奔放的交响曲；在其《连锁》中，二十多个相似而又独立的生命体，色彩鲜艳、整齐规律地排列在一齐，有如音乐作品的结构，其整个作品体现出被凝固着的又仿佛流淌着的动人旋律。

康定斯基的绘画接近音乐，用仿佛音乐般的线条与色块来表达自己的内心世界，他将绘画作品赋予了音乐性的效果。他把色彩作为钢琴键盘、将线条作为弦乐、各种不同的构图当作铜管，制造出了动人心魄的“交响曲”。他对音乐的热爱，通过他的绘画作品淋漓尽致地表达出来。

康定斯基的好友作曲家勋伯格同时也是一位画家，在勋伯格的音乐作品中，如弦乐五重奏《升华之夜》、独唱剧《期待》、配乐说唱《月迷彼埃罗》等等，都以各种音乐手段（如无调性的旋律、十二音的构造、音乐的织体等）体现着他对生活的感受和对社会的思考，同时，也呈现出强烈的画面感。他常常将自己对绘画的热爱（自然，他也有许多绘画作品），用强烈的刺激的音乐音响表达出来，有意尝试将表现主义者在绘画方面的心得，转介入音乐之中。

众所周知，达芬奇（（scuolaleonardodavinc，i1452—1519）也是位同时通晓绘画与音乐的艺术家，他认为音乐虽然是听觉艺术，但它与绘画有许多相通之处：

一、音乐与绘画都有节奏；

二、音乐与绘画同样有比例关系；

三、音乐与绘画的美感完全建立在各自部分之间的的相互渗透。他的见解得到众多艺术家的认同。

正由于如此，使音乐与绘画着两种不同的艺术在许多地方体现出意念或概念上的趋同。就以印象主义为例，也证明着印象主义音乐与绘画在观念上的继承。

二、印象主义音乐与绘画在观念上的继承。

印象主义音乐是19世纪末法国作曲家德彪西（achille—claudedebussy，1862—1918）首创的一种音乐风格，然而音乐上的印象主义却是直接来自于绘画上的印象主义。19世纪末的画家马奈（edouardmanet，1832—1883）、莫奈（claudemo—ne，t1840—1926）、修拉（georgesseurat，1859—1891）等人的作品打破了古典的作画风格，避开了写实的画风，而创作出对一瞬间的光色、气氛的感觉与印象、以鲜明跳跃的色彩替代几百年以来深沉、灰暗的酱色调的画风。印象主义绘画直接触动以往既定的审美模式，而开启20世纪现代美术的先河。作为对一切新鲜事物一场感兴趣并热爱绘画艺术的德彪西，为这种新颖的画风所影响，以管弦乐序曲《牧神午后》，创立了印象主义音乐的音乐流派。

印象主义音乐继承了追求感官印象描绘的特征，用音乐来表现作曲家通过听觉、视觉、幻觉甚至是嗅觉所捕捉到的对自然现象、景物、人物等的感觉和印象，如同印象主义绘画那般，放弃传统音乐中那严密的组织和理性、逻辑性的结构形式，其音乐被作曲家以自由抒发的灵感式的倾诉变成了模糊、隐绰、松散的轮廓，音乐语言发展成虚无飘渺的意境。德彪西是位具有反叛精神的作曲家，他不固守传统，同印象派画家和象征派诗人交往甚密，并继承了他们的思想观念。德彪西的音乐不以旋律为生命，而以片断、零碎的形态，偏离大小调的音乐体系，削弱和声的功能性而增加其色彩性的音乐特征，使印象主义音乐呈现出新颖、雅致、清新、灵巧、缺乏音乐发展所固有的内在动力的品质。他以这种音乐风格体现着印象主义绘画风格的观念：在从透明而重感官的结构里激发起理想中的境界，自然景物或人不再是表现的重心，而强调光与色的效果；不着重表现具象与事物的本质，而注意自然界光色变化和瞬间运动感，体现着朦朦胧胧梦一般的印象。如同印象主义绘画一样，印象主义音乐常常在作品内容的选择上脱离现实世界的题材，专注于光影的游戏和愉悦的性格和能给人感官享受的事物，它把以音乐的丰富色彩呈献给大家，发展了音乐诗意的感情与气氛，并常常醉心于个人的艺术天地，甚至有点孤芳自赏的意味。

印象主义音乐是在观念上对印象主义绘画的继承，它打破了以往传统的作曲方式，成为了20世纪现代音乐的桥梁。印象主义音乐于绘画的关联，直接或间接地影响到表现主义音乐与绘画在理念上的认同。

三、表现主义音乐与绘画在理念上的认同。

“表现主义”（expressionism）一词首先出现在19德国的《狂飚》杂志中，它是在第一次世界大战前出现在德国的一种艺术流派，表现主义针对印象主义对自然和现实的模仿与再现，主张艺术要直接表现思想的本质、内在的灵魂，强调艺术的表现力和形式的重要性，反对机械地模仿客观现实，作品中体现出机械文明压制人性的强烈不满。表现主义艺术流派首先出现在美术领域，再而影响到音乐。

表现主义绘画的代表人物之一便是康定斯基。以康定斯基为代表的表现主义画家反对学院派自然主义的古典风范，主张不应机械地模仿客观现实，主张用以线条与色块体验人类思想的本质，并以个人对主观感情来取代视觉的感受。正是由于理念的趋同，使作曲家勋伯格深受表现主义绘画的影响，勋伯格与其两位弟子贝尔格、威伯恩创立了音乐上的表现主义。表现主义的作曲家们用自己的心灵感受到德奥现实生活充满着丑恶和痛苦时，他们的音乐便以抽象、夸张、扭曲、怪诞的笔法对现实进行变形的描绘，用梦魇、幻觉来影射客观世界，用刺激、不协和的音响来揭示心灵的孤寂、恐惧、绝望乃至疯狂。

无论是表现主义的音乐或是绘画，其创作风格与技法，都突破了传统，并引起艺术界的强烈震荡。勋伯格在进行表现主义音乐实验的初期，一直处于高度的紧张气氛之中，其作品受到如同表现主义绘画一样的待遇：让人一时不能理解，也无法接受。其作品的每次上演，都会引起听众的一片谴责，即使是晚期作品，也不是那种让听众为之愉悦，为之共鸣的音乐，因为，表现主义音乐突出的特点是无调性（atonality），其使用的作曲手法是前无古人的“十二音体系（twelve—notesystem）”，这种作曲体系掀起了“不协和音的解放运动”，使欧美音乐界（尤其使作曲界）受到了前所未有的冲击，并引起震荡。在他死后，其音乐也存在着争议的评价。

表现主义绘画在表现主义音乐之先面世，自然，同样是愤怒的反应，而后是漠然，直至得到宽容。康定斯基以一种病态的画面，发泄着对资本主义罪恶的憎恨和因社会危机而引发的在情绪上的恐怖和苦闷。他对色彩“内在音响”的体验，以及色彩和音乐律动同一性的理解与高度敏感，使表现主义绘画具有一种音乐性般的艺术效果。

表现主义音乐与绘画的同一性在美学思想上达到了高度的统一：共同体验着社会的动荡、不安，表现着对现实的不满、恐惧，表达出对印象主义音乐或绘画那追求光、色一瞬间的印象，及模模糊糊地反映被描绘的事物所散发的气氛，以及充斥在音乐与画面间的那迷离、朦胧、神秘意味，主张与传统彻底决裂，以几乎变态的理性来反映客观现实带给人们的强烈压抑的精神、思想、信念的本质。

表现主义音乐对表现主义理念的认同，在某种意义上是印象主义音乐对印象主义绘画观念上的延续。因为，音乐与绘画的密切关联，在历史的不同时期都有着或多或少的显现。音乐与绘画的关联不仅表现在同一类型的流派之中，甚至表现在不同艺术流派之间，某种流派的作曲家也会受另一种绘画风格的影响，诸如威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。

四、威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画。

威伯恩（a。werbern，1883—1945）是勋伯格的学生，是表现主义音乐的代表人物之一，他追随勋伯格步入十二音技法领域，并发展了勋伯格的音乐风格，将勋伯格创立的十二音体系推向序列音乐，他提供了一种“方法”，加强对音高组织的控制，还对音色、时值等要素作出相应安排。他全部的31首音乐作品具有高度集中、浓缩、简练、主观、抽象、简洁的风格，将“纯音乐”推向颠峰。在他后期作品中，缺少传统音乐所特有的线条感，而以单音或是多音，以不同的色彩乍似毫无关系地连缀在一起，造成漫无章法、毫无表情的音响感，然而，他由十二音推向序列音乐的音乐作品，有极强的内部组织的严格次序，呈现出高度理智而客观的风格。这种音乐多以点对点、块对块音响连接的风格，与印象主义后期的“点彩派”绘画存在有许多相似的理念。

“点彩派”的代表画家是法国的修拉（georgesseurat，1859—1891），他的代表作油画《大碗岛上一个星期的下午》由无数个红、黄、蓝、白单色的小点构成，产生画面朦胧、迷离的意境。点彩派画风以法国化学家舍夫略里关于色彩协调理论《色彩对比论》为理论基础，用红、黄、蓝、白四种原色作不同组合，让观众眼睛自行调动而看感到流光异彩的画面。点彩派用这种所谓科学的、严格的色彩和笔触，代替以往印象派画家的那种富有感情的色彩和生动潇洒的笔触，比马奈、莫奈的画作更忽略作品的内容而单纯追求所谓科学的色彩与形式化。修拉的画风被称为“点彩法”，而威伯恩那缺乏旋律线条的作曲方法则被人称为“点描法”，它与“点彩派”绘画有类似的理念。音乐上的“点抽法”突出的特征是将完整的旋律纵向分配到多个乐器或乐器组来演奏，而以短小时值的音符相连接，形成浓缩的曲调线条，其跳动大的音程，表示旋律线的突凸，反之则柔和，以这种短小时值的点构成的组合，构成威伯恩音乐的主题，并由点对点的短音符在不同乐器或单一乐器不同音区的呈现，构成整部音乐。

“点描法”的音乐与“点彩”派的绘画在以点组成艺术的理念上，达到心有灵犀的艺术关联。威伯恩的“点描音乐”以各种不同音色，不同位置的音响的“点”的时疏时密的跳动来构成其旋律，它拒绝传统音乐那悠长的旋律线条，“点彩绘画”由一点一点纯色的“点”，构成复杂的画面；“点描音乐”拒绝传统音乐简单地抒发作曲家个人的主观情感，而以严格的序列控制作为新的作曲手段，“点彩绘画”同样追求色彩理论的原理，将理性的色彩组合看得高于一切。他们共同的理想都是要创作出不同于以往形式的艺术作品，在创新意识上使两者都走在同一个更为注重形式感的艺术创造的道路上。威伯恩的音乐与晚期印象主义绘画不属于同一名称的艺术流派，前者属“表现主义”的范畴，后者是印象主义的延续，然而，分析两种风格的两种艺术在理念及手法上的关联，使人产生了极大雷同的印象，拟或可说有“同工异曲”之妙的艺术效果。于是，我们说音乐同绘画存在有必然的关联。

五、音乐同绘画存在的必然的关联。

音乐与绘画不属于同一种艺术形式，它们有各自不同的特征与表现手段。然而，它们又同属于“艺术”这一范畴。既然同是艺术，那便会产生千丝万缕的联系。

康定斯基早在19就指出两者之间的联系：黄色具有不断向上的“超越”，从而达到使眼睛和神经均无法承受的的功能，而当一只小号所发出的声音，变得越高越尖锐时，以至于刺痛耳朵和神经；而蓝色，则具有“超越”相反的力量，它把眼睛引向无限的深度，因而，发出类似长笛般的声音（当深蓝色时）、或低音提琴的声音（当深蓝色时）；在弹奏管风琴低音键盘时，你能“看见”深深的蓝色；绿色非常接近大提琴纤弱的中音区的音色；而红色在使用得当时，它给人以强有力的击鼓的印象。

于是，我们可以这样认为：大气和光的振动相成了声音和色彩之间的物理相似形，便造成我们所感觉截然不同的“音乐”与“绘画”之间的关联。作曲家和画家都能运用不同的“音调”或“色调”，创造出同一种或温暖或凄凉或热情或呆滞的共同感受。

音乐与绘画的关联，具有审美功能，引发欣赏者的喜爱，并引起人们在情感或情绪上的共鸣、得到人们的赏识，是音乐与绘画的共同目的。音乐与绘画有各自己的表现手段与媒介，但两者都不同程度上浸透了认识因素与教育因素，它们以各自不同的艺术表白方式，给予欣赏者在心理上、感知上获得效果各异的认识作用与教育作用，只不过这些作用反映在不同的艺术领域和不同的形式之中罢了。所以，各门艺术存在着相互浸透、相互关联的现象，音乐与绘画也是如此。艺术就是这么神奇。各门艺术实际上存在有或多或少的必然联系，因为它们同属于“艺术”的范畴。音乐与绘画有各自鲜明的个性，然而，它们又存在着那么多的必然的关联。

音乐教学论文

奥尔夫音乐教学法主要包含了两方面的内容。其中一部分是练习节奏与旋律。节奏的练习主要是指练习的规则与姿态以及反应能力的练习，用声势进行节奏的训练，对节奏基石的提取和练习以及对于节奏进行引导、自编和补充练习等内容。而旋律方面则主要是指演奏歌曲或是乐曲、音乐乐器等其他乐器的演奏规则和方法，为歌曲伴奏，即兴演奏以及自编乐曲、欣赏教学、识谱教学等内容。另外一部分就是基本形体动作的训练，这主要是指动作训练、反应训练、舞蹈表演、动作的伴奏以及即兴动作和动作游戏等内容。

二、奥尔夫音乐教学法对幼儿舞蹈创编的影响。

（一）对于舞蹈教学中节奏方面的影响。

奥尔夫音乐教学法对于幼儿舞蹈教学中的节奏方面发挥了重要的作用。奥尔夫音乐教学法要求舞蹈的节奏清晰明确。由于幼儿的认知能力和自我控制能力都不强，幼儿在舞蹈的学习过程中，容易出现抢拍或是拖拍的情况，这就直接降低了舞蹈动作的整齐度。而奥尔夫音乐教学法则要求舞蹈教学中，选择节奏鲜明清晰的音乐，从而在强重音的刺激下，唤醒幼儿的记忆功能。幼儿对于音乐的节奏与旋律记清了，他们在舞蹈的学习过程中就轻松很多。奥尔夫音乐教学法要求舞蹈教学选择旋律易记的音乐，这样也可以缓解幼儿紧张与焦虑的情绪。

（二）影响舞蹈教学中听力能力的培养。

奥尔夫音乐教学法还影响着舞蹈教学中幼儿听力能力的培养。奥尔夫音乐教学法是一种将原本性音乐与动作和舞蹈紧密结合在一起的一种教学方法。它能够有效调动幼儿的听觉神经，让幼儿学会倾听、辨别甚至是想象各种生活中的不同的声音，从而能够帮助幼儿在舞蹈的学习中有效提升他们的听力能力，使他们更迅速地做出相应的反应。

（三）肢体训练之于舞蹈创编的意义。

奥尔夫音乐教学法强调肢体的训练。比起传统的音乐教学重理论知识的特点，奥尔夫音乐教学法则主要是注重幼儿的实际训练。因此，肢体训练便成了奥尔夫音乐教学法的重要特点之一。奥尔夫教学法中的肢体训练，有助于舞蹈创编。舞蹈创编是一种以人体动作为“语言”的艺术形式，而奥尔夫音乐教学法就是充分调动幼儿舞蹈时的各种肢体语言与动作，从而保证他们快速地将教师所教的内容吸收并牢记在心。因此，奥尔夫的音乐教学法对于舞蹈创编是有着积极作用的。

三、奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体应用。

（一）契合舞蹈主题。

奥尔夫音乐教学在幼儿舞蹈创编中的具体应用，首先表现在教学法要契合舞蹈的主题。在幼儿舞蹈创编中，要与具体的舞蹈主题相契合，这是奥尔夫音乐教学法的本质所在。奥尔夫音乐教学法是汇集了演唱、演奏、舞蹈、朗诵以及表演于一体的一种教学方法。因此，契合音乐的主题是基础。这也是奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体表现。

（二）节奏训练。

奥尔夫音乐教学法强调节奏的把握，这对于幼儿舞蹈创编是非常关键的。奥尔夫认为音乐是一种回归人性、回归自然的音乐，它主张幼儿去倾听以及辨别，并在此基础上进行想象。因此，对于节奏的训练就显得尤为重要了。只有对音乐的节奏把握清晰了，才能在倾听音乐的过程中更准确地辨别区分。而舞蹈创编过程中，注重了节奏的训练，有助于舞蹈创编的顺利完成，并且还能确保舞蹈的旋律与节奏不出错。奥尔夫音乐教学法对节奏的重视，就为舞蹈的创编提供了不少的帮助。奥尔夫音乐教学法主要是坚持人本主义，教学以幼儿为中心，让幼儿正确把握音乐舞蹈的节奏，从而更有效地学习。这就有效解决了舞蹈创编中对于节奏训练的要求，因而获得广泛应用。

（三）增强想象力。

奥尔夫音乐教学法要求幼儿学会倾听，学会想象，能想象出各种不同的声音，如身边人的声音、来自大自然的声音等。通过幼儿对不同声音的倾听，可以增强幼儿的想象力。幼儿在舞蹈学习过程中，会对所听到的音乐给予一定的肢体反应。这个过程便是幼儿在听到的声音之后，然后经过大脑的想象，从而给予了肢体上相应的动作的配合。而想象力对于舞蹈创编是相当关键的，只有增强想象力，才能更好地运用在舞蹈创编中。奥尔夫音乐教学法恰好实现了想象力的加强，因而在舞蹈创编中获得了广泛的运用。

（四）感情升华。

奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的应用，除了通过契合舞蹈主题、节奏训练以及增强想象力等三方面的内容来体现，还需感情的升华。无论是何种音乐，没有感情作基石，那么它就不是好音乐。对于舞蹈也是一样，若是舞蹈不能打动人心，不放感情在其中的舞蹈是没有任何生命力的。而奥尔夫音乐教学法注重幼儿感情的激发，让幼儿用心去跳舞。通过引导幼儿倾听、辨别以及想象，可以激发他们对音乐的反应能力。在想象的过程中，幼儿的感情也随着音乐一同起伏，最终达到感情升华的效果与目的。在舞蹈创编的过程中，只有将感情注入其中，才能编出更有生命力与活力的舞蹈。因此，奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中所发挥的作用才会越来越大。

四、结论。

通过本文关于奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的应用，我们了解到奥尔夫音乐教学法对舞蹈创编中的节奏、听力能力以及肢体动作等三方面发挥着重要的影响作用。而奥尔夫音乐教学法在幼儿舞蹈创编中的具体应用则是表现在音乐主题的契合、节奏的训练、想象力的增强以及感情的升华等多方面。相信通过本文的分析，有助于帮助我们对于奥尔夫音乐教学法有更深一层的认识。

音乐教学论文

这一学科传入我国很快便成为了学校音乐专业教学的基础课程。最初在我国成为“视唱听音”或者“视听唱”等名称，而教学模式也是按照西方国家的传统方式。国家教育部门直到九十年代以后对这门课程制定了具体的教学目标，具体阐述了从几个方面培养识谱视唱能力、对音乐的感知和听辨记忆能力；初步掌握视唱练耳的教学音乐语言；发展音乐的审美能力，初步理解音乐各要素在音乐表现方面中的作用，全面提高学生的音乐素养。我国视唱练耳这门课程在音乐专业中普遍开设。教学模式还是依照传统模式，很多班级人数过多，一块黑板，一台钢琴在反复的训练学习，教师虽然想方设法在改变教学方法，想通过提问和互动的方式提起学生的学习兴趣，但是终究还是比较单一的。教师在上面弹，同学在下面听，这样的教学形式很难体现出视唱练耳本身的学科价值，教学有待改进和提高。

二、视唱练耳音乐教学的作用和重要性。

歌唱是以听觉、记忆、音准和读谱为基础的，在课堂上重视视唱练耳训练可以使教学得到事半功倍的效果。

（一）视唱练耳训练是发声练习与作品视唱的基础。

在发声练习时要表达出音高，要解决的主要问题是音色、音域、发声的位置、换声点等。视唱练耳训练是基础，教学中，教学教师选择发声练习曲不尽相同，难易度和复杂程度不同，复杂的发声练习曲篇幅也很大，唱起来难度大，对学生的视唱练耳能力要求高。而作品视唱是对歌词和旋律两部分的处理，对旋律处理就相当于视唱若干个乐句，老师可以作为视唱的示范，掌握教师的试唱示范需要良好的练耳训练基础。

（二）通过视唱练耳训练改善学生的音准、音乐节奏感和音乐感知力。

音准是学生学好音乐的首要条件，是声乐演唱的最基本要求，是音乐的基础。节奏是音乐的脉搏、是音乐的灵魂，也是音乐的骨架。任何音乐都有鲜明的节奏。视唱练耳的主要任务是发展听觉，辨别音的高低、音色、长短、节拍和调式调性，这样可以增强学生的音乐记忆力。另外，视唱练耳也训练学生的读谱能力，通过听、唱、记等形式教学提高学生的音乐感受能力。

（三）通过视唱练耳训练提高学生的音乐创造力与表现力。

培养学生的创造力与表现力是音乐相关专业教学的一项重要任务。音乐表现的依据是对音乐的解释，对音乐作品的表现特色、艺术风格、创作方法以及力度、速度、结构、演奏法等各方面的了解程度，并且善于精确地表现学生对音乐作品的理解。在视唱练耳训练中逐渐获得丰富的词汇，丰富音乐知识，也能够获得较多的感受和较深的理解，唤起学生一种内在的音乐感受能力，活跃思维，激发其创作的欲望。

音乐表演论文

“琴人合一”是每一位表演者追求的最高境界，要达到这种境界就要求表演者做到投情，以达到展现作品丰富内涵的目的。做到投情，首先表演者务必准确的把握作品情感基调，其次要对作曲情感的发展逻辑和色彩变化做以详细的分析。我们以声乐作品《昭君出塞》为例，这首作品的情感起伏和情感色彩变化非常多，首先写女儿离开家乡眷恋不舍得悲叹之情；其后转换成对将来“长城无烽烟”的坚定信心和美好展望；最终写到“千里麦浪翻”的丰收喜悦景象。细腻、坚定、豪迈的三次情感变化要求我们表演者要灵敏的做出反应，将情感色彩变化与歌声处理的和谐统一。另外情感表达还可以从谱面上寻找，乐谱上的任何一个音符和装饰音都是有意义的，我们要将每个静止的音符在音乐表演中给予生命力，将作品内涵完美的呈现给观众。

想象是音乐表演中的另一个心理要素，它使人在音乐原有的理性和感性的认识上，经过重塑而构成新的音乐形象。这个过程给予了作品崭新的.生命力，它不仅将原作再现，而且还将其创作给予独特性，使音乐作品有了新的色彩。表演者想象得越丰富，作品中心思想就会展现得越清楚，观众的感受也会越深刻。音乐表演中的想象包括对场面环境的想象，也包括对作品所持有的精神气质和内在情感的深刻领悟。例如在歌剧《原野》中，有一首声乐作品是《啊！我的虎子哥！》，在表演过程中表演者要以金子的身份融入到剧情之中，展现出对虎子哥敢爱敢恨的情感，将作品完美的展现出来，引起观众的共鸣。想象是音乐表演心理要素中的关键，我们要充分发挥这一重要要素并运用到音乐表演中，使音乐表演富有生命力，感化观众。

（一）。

音乐表演的时候不需要我们再考虑什么地方该改动，攻克哪些技术难关，此时要做的事情就是全身心的投入到音乐表演本身，将自己平时练得东西发挥出来展现给观众就可以了。临场表演时我们平时对作品的研究和所获得的各种感受都已经潜移默化的印在了我们的脑海中，是这种潜在的东西支持着表演过程。全神贯注是保障音乐表演顺利完成的重要心态之一，如果左顾右盼只会给音乐表演现场带来消极的影响。训练全神贯注最方便的一个方法就是，音乐表演者把平时的每一次训练中都当成演出对待，这样在正式演出的时候，做到全神贯注也就不是那么难了。

（二）。

情感的自然流露要求表演者在表演过程中把音乐情感发自内心的自然而然的流露出来，使听众或观众的感觉很舒服，而非刻意模仿。情感的自然流露可以使表演者和听众达到水融的状态。要做到音乐表演的自然流露，需要表演者具有一定熟练的表演技巧、至高的精神境界和艺术修养，真正的把音乐融汇于心，使音乐从心中自然的流淌出来，最终使音乐作品的演绎达到一个更高的境界。

（三）。

音乐表演在上场前通常会出现紧张和怯场心理现象，而临场表现恰恰是决定音乐表演质量的最关键时刻，克服怯场心理，我们需要做到以下几点：

1.。根据自己的实际情况，摆平自己的位置，不要想着一鸣惊人，这样不但无形中给了自己巨大的压力，而且还有可能导致发挥不正常。我们应把心态放正，音乐表演不仅仅是表现自己，更重要的是表现音乐，只有这样才能使自己全身心的投入到音乐表演中，竭尽所能的表现音乐作品，争取最好的表演效果。

2.。自信在音乐表演中尤为重要，是充分表达情感和演唱效果的前提。表演中面对台下的观众应做到“眼中无人、心中有人”的境界。自信是做任何事情成功的前提，如果连自信都没有，又何来勇气去完美的展示自己。当然建立自信也是需要一定基础的，对于表演者来说需要对作品进行充分的练习和熟练把握。另外还要看到自己的优势所在，扬长避短，将自己优秀的地方淋漓尽致的发挥出来，从容的完成作品表演。

3.。表演者要做到熟练掌握相关技巧，表演时便可水到渠成。古人说“艺高人大胆”肯定有其中的道理。我们只有在具有充分的实力的前提下才能做到无所惧怕。所谓“台上十分钟，台下十年功”，我们要在演出前反复的练习作品，这样在表演中就不会害怕，可以更好的做到用表演取悦观众，用情感感染观众。

4.。经常的演出实践可以使表演者不再畏惧台上和台下的感觉，不再畏惧观众多与观众少的落差，演出的次数越多，表演者在舞台上整体形象和演出效果就会越好。另外，音乐表演和人体的生理也有一定的关系，经常演出可以学会如何在演出中处理自己身体的不适，将演出的负面效果降到最小化；经常的演出实践还可以帮助我们学会及时应对演出中的突发情况，这也是减少和避免临场紧张的解决方法。如果音乐表演者能够做到以上几点，那么在表演时的紧张和怯场心理会减弱，这对于确保音乐表演的完整演出是至关重要的。

通过上述分析，我们可以看出音乐表演是一种多种要素构成的综合心理活动，这些心理要素对音乐表演起着非常关键的作用。表演者只有将表演实践与“心理”完美的结合，才能完成高质量的表演，得心应手的去完成作品的诠释和见解，最终使表演艺术达到炉火纯青的境界。

古典音乐论文

一直以来，古典音乐与流行音乐便是两个不同的音乐流派，各具特色与魅力，然而音乐本就是相通的，因此流行音乐和古典音乐也自然存在其相似之处，如果能将古典与流行相结合，便可以将两者之间的独特价值充分发挥，去弥补各自的局限，两者相得益彰，从而焕发出新的魅力。本文试分析大学音乐教学中古典与流行的结合路径，旨在为高校音乐教学的发展提供理论支持。

“古典音乐是一种音乐类型，通常我们认为是从西方中世纪开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐，创作技术复杂多样，承载的内涵厚重深远。流行音乐则正好与古典音乐相对，指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏的音乐类型。”［1］古典音乐与流行音乐的不同特点导致其出现了阳春白雪和下里巴人的局面。古典音乐格调高雅、品位独特，其鉴别与欣赏需要在音乐上具备一定修养或敏感度，且其结构复杂、技术多样，很难被传唱或演奏，因此受众有限；而流行音乐更符合大众的口味，所以传唱广、受众多，然而因为内容通俗，所以质量上往往参差不齐，难登大雅之堂。因此将古典音乐与流行音乐合二为一，可以各取所长、各补其短，两者相得益彰，避免了局限性，从而形成一种更为独特的音乐类型。目前这种尝试已然有之，然而大学音乐教学中如何跨越多方面隔阂，将两种音乐类型相结合，还处于尚未成熟的阶段，需要更多更好的结合路径，来促成音乐的融合。

（一）音乐类型过于风格化。

尽管音乐是相通的，但是音乐类型之间仍然具有极大的差异，而古典音乐和流行音乐在很多特点的表现上则是完全对立的。例如音乐格调，古典音乐传承经典，更具内涵，而流行音乐贴近生活，内容浅显，因此两者在结合时必须充分把握其相同之处继而进行有效融合，而不是一味地将古典音乐与流行音乐合并，那样只会破坏了其各自具有的艺术魅力，不能使之焕发新的生命力，导致乐曲不伦不类。独具风格的两种音乐类型想要结合，就必然要花费时间精力去摸索全新的可能性，当不同风格的音乐类型结合时才能产生出一加一大于二的理想效果。

（二）学生的音乐鉴赏能力不足。

无论是古典音乐还是流行音乐，在开展音乐教学时都无不考验着学生的音乐鉴赏能力，如果学生的音乐鉴赏能力强，就很容易分辨出音乐的类型、技巧、风格、情感内涵等，这其中，能够辨出音乐的情感内涵最为重要。古有钟子期于汉江边闻琴音，发出“巍巍乎若高山，洋洋乎若江河”的感慨，促成“高山流水觅知音”的佳话，可见，音乐作为情感的载体，需要学生从中体味出附着在音符中的“精神与灵魂”，大学音乐教学进行古典音乐与流行音乐相结合时，对学生的音乐鉴赏能力要求更高，然而目前我国很多大学的学生在鉴赏音乐方面还欠缺一定的悟性，没有良好的音乐基础和功底，导致在鉴赏音乐时难以把握音乐的美感，尤其不能分辨古典音乐，给两者的结合带来了一定的困难。

（三）大学音乐教师的教学能力不足。

想要结合古典音乐和流行音乐，就意味着授课教师要同时了解、熟悉甚至精通这两种音乐类型，并且能够找到两种音乐类型的共同之处，这样才能为其找到相融合的切入点，让两种音乐类型形成一种令人耳目一新的音乐形式。然而，目前部分大学在音乐教学方面设置的门槛较低，所以很多音乐教师的教学能力和专业素养并不强，有的老师往往只精通一种音乐类型，在进行音乐结合时会缺乏教学方法，有的老师甚至备课不精，对自己教授的内容不甚了解，使其难以把握古典音乐与流行结合的精髓，为课程的讲授带来了诸多不便，造成了阻碍。

（四）音乐设备不完善充足。

古典音乐与流行音乐的结合不能只停留在理论层面，而是应当有所实践，教师想要在大学音乐教学中渗透古典音乐与流行音乐的'结合内容，就必须带领学生进行操作。然而古典音乐与流行音乐都需要以乐器来磨合碰撞，其中最具代表性的便是钢琴、小提琴，然而这些乐器价格高昂，很多大学并没有为学生配备充足完善的音乐设备，往往只准备一架电子琴，这也给两种音乐类型的结合方式带来了一定程度的局限。甚至有的学校，教师干脆只采用讲授法为学生单纯传授理论知识，导致课程深奥、乏味，学生们逐渐失去了听课兴趣，更无法感受到音乐的魅力。

古典音乐与流行音乐各具魅力、韵味独特，如果想将两者结合到一起，必须所行得法，否则便是随意地将两种音乐类型乱掺一气，不仅导致两种音乐类型都丧失了原有的魅力，甚至会使其不伦不类。想要有效结合古典音乐和流行音乐，就需要从以下几个方面着手。

（一）完善学生对古典音乐和流行音乐的认知。

目前，就学生对音乐的价值取向来看，大部分学生比较认可流行音乐，无论是谁，都听过或能哼唱诸多流行歌曲，但很大程度上源于流行音乐脍炙人口、传唱率高，而只有一部分学生能够分辨出流行音乐的情感意蕴，其实很多流行音乐并非单纯的“口水歌”，而是能够传递出极为深刻的情感思想，很多歌曲抒发的对往日情感的追溯，以及对逝去时光的无奈感慨，实际上是每一个人都曾有过的感受，对生活细心的学生能够敏锐地去把握流行歌曲的价值，体味个中的滋味。然而缺乏悟性的学生就需要老师去引导启发，使之能够不断完善对流行歌曲从感知技巧到感知情感的过程。另一方面，古典音乐由于鉴赏门槛高，导致很多学生对其“欣赏不来”，认为“太无聊”“不好听”“不接地气”，其实这都是对古典音乐的错误认知，古典音乐更容易激发人们的情感共鸣，“比如经典曲目《回家》，当悠扬的旋律响起，人们的脑海中便马上迸发出回家的渴望，对于远在家乡之外的游子，更能产生与亲人团聚的热切期盼”［2］，这充分说明古典音乐并未因为格调高雅而脱离我们的生活，正相反，其与我们的生活是紧密相连的。所以教师应该完善学生对古典音乐的认知，使其对古典音乐报以端正的学习态度，更好地去挖掘古典音乐的魅力，继而将两者更好结合。

（二）教师不断完善个人教学能力，丰富教学形式。

正所谓“教学相长”，教师在面对新的教学挑战时，应该从几方面对自身的教学进行加强，首先，教师应该不断完善个人的教学能力，要想进行古典音乐与流行音乐结合的教学，就必须对两者的音乐风格、音乐特点、音乐起源、音乐典型、音乐发展、音乐演奏有所了解，并且不断深化精进，只有这样，才能娴熟地驾驭两种音乐，并完成两种音乐的结合教学。如果只停留于理论层面，那么所有的教学都将是纸上谈兵。其次，教师应该不断提高自身的教学修养，精心备课，在教学内容和教学形式上有所完善丰富。在准备教学内容时，教师应该与时俱进，充分了解学情，尽量避免用学生们生疏的曲目，而是选择大家比较耳熟能详的名曲，甚至在选择时可以“投其所好”，多选择一些当前学生们比较喜爱的歌星，这更利于学生去领悟和感受。另外，教师应丰富教学形式，将传统的讲授式课堂转变为丰富多彩的教学情境，利用多媒体、合作探究等为学生呈现活泼生动的课堂，消除学生对音乐学习的恐惧心理。不仅如此，大学音乐教师还可以通过校方的支持帮助，将课内教学延伸至课外，通过举办一些“当古典走入流行”主题活动比赛来让学生们自行创作表演，既能够激发学生的积极性，又能够提高学生的音乐水平，提高学生对古典音乐与流行音乐相结合的能力。

（三）学校加大对音乐教学的投入力度。

大学校园如果想有效地开展古典音乐与流行音乐的结合教学工作，就必须充分认识到实践的重要性，如果只讲理论不去操作，那么音乐将难以发挥其所具有的功效，“音乐教学是大学生素质教育中的重要组成部分，通过对大学生音乐素质的培养，不仅能够实现其思想意识的提升，更能陶冶情操、健全人格，帮助大学生丰富情感，树立正确的价值观、人生观。”［3］因此音乐教学不能纸上谈兵，所以面对当前教学设备不足、教学场地窄小等情况，学校应该拿出全力支持的态度，首先完成各项硬件设备的补充，让教师和学生都能对古典音乐与流行音乐的结合付诸实践，其次，学校应该拿出重视的态度，在教学考核上加大力度，使学生们对音乐学习更为投入。（四）利用互联网信息技术进行强化“互联网信息背景下，所有的教学行为不再囿于学校课堂，而是遍及生活的方方面面，大学音乐教师应该做到与时俱进，充分利用现代化手段来强化学生的能力，充分做到将古典音乐与流行音乐相结合。”［4］首先，教师可以让学生灵活应用音乐编制app，在没有乐器的情况下使用音乐制作软件来进行操作，其次，教师可以让学生把完成的作品发布到各大社交平台，利用平台的交流互动功能来提高自身的音乐结合与创作能力。在老师的指导和帮助下，学生可以通过类似“抖音”一类的平台上传自己完成的古典音乐与流行音乐相结合的作品，平台全体用户都可以点开作品聆听并评论，学生可以在评论中发现有价值的建议和批评，继而在下一次尝试时有所改进。而点赞、转发、支持评论也可以激发学生的创作积极性，继而更好地投入学习。

“音乐是一种美的享受，是一种灵魂与灵魂之间的交流碰撞”［5］，无论是古典音乐还是流行音乐，都是内心真挚情感的映射，能够唤起人们情感之间的共鸣，只有用发现美的眼光和领悟美的心态，才能去体味这两种音乐类型的精妙之处，也才能将两者更好地结合。大学音乐教学中古典音乐与流行音乐的结合，对教师和学生而言，都是一种去感知音乐独特魅力的过程，只要采用有效的路径，就能让音乐拥有新的生命力，焕发新的光辉。

音乐教育论文

我是一名小学音乐教师，从事小学音乐了，在自己的音乐实践教学中，我积累了一些音乐教学经验。

歌唱教学是小学音乐教学的一个重要组成部分，在小学阶段，歌唱教学属于一个初级的启蒙阶段，小学生对音乐的理解特别的少，对歌唱中要注意的关键是没什么概念存在，歌唱的时候，用什么样的情感状态，气息的把握，如何咬字如何吐字的要求基本上不懂，喝唱时候的技巧也是更不懂了，在这个素质教育的关键点上，我们要积极引导学生用正确地方法去唱歌，培养学生对音乐的鉴赏能力，提高学生对音乐的表现能力，如何培养又该如何提高，这是我们广大音乐教师需要积极去研究的一个主要课题。

一、在进行教学唱歌之前，我们要去指导学生用正确的发声方法以及让让学生养成喝唱时候的技能和技巧。

我们究竟该如何教会学生正确的发声方法呢？首先，要让学生知道正确的呼吸方法是一个关键点，要教会学生知道呼吸在歌唱中的重要作用，这样才能去唱好歌，我们可以结合我们生活中的实际例子和学生的认知特点进行歌唱呼吸功能的训练，这样可以让学生掌握好基本歌唱呼吸练习的方法。

想要让学生表现歌曲的能力得到提高，我认为，首先要对学生的唱歌的基本技能开始训练，只有这样，才能让能提高学生对歌曲的表现能力。在训练过程中，我们要按照音乐的教学大纲的要求对学生进行循序渐进的训练，千万不能拔苗组长，操之过急忙，否则就会很失败，那么我们到底该如何培养学生的歌唱技巧，养成学生唱歌时候的良好习惯，作为一个专职的音乐教师，我想应该从以下几个方面着手，才能达到比较好的教学效果。

二、养成歌唱的良好姿势。

在唱歌的时候，要求学生保持正确的呼吸，发声，正确的姿势是歌唱时候的必要条件，要让学生知道歌唱时候的要求是站立垂直，两脚稍微分开要站稳，头要正，目光要平视，两个肩膀要稍微向后移动一点，胸自然的挺起并且张开，腹部要稍微的收起一点，精神要饱满，要有感情的去唱歌曲。如果学生是坐着唱歌，我们要求学生身体垂直，千万不要弯腰唱，让学生用正确的姿势去歌唱，这样才会有利于身心发育，实际教学的过程中，我们要随时纠正学生的不良姿势，采取各种形式让学生的注意力和持久力得以但提高，只有这样，学生才会养成端正，持久的好习惯。

三、让学生做到适宜的发生练习。

如果想要获得最佳的声音，我们就必须从发生练习做起，在练习过程中要有计划，有目的地唱出一些必要的练习曲，要注意学生的年龄特点，要注意科学性，系统性，要唱得正确，熟练。如果学生唱错了，我们要及时纠正，还要详细讲解，在歌唱的时候，如果学生能够正确的运用发生器官，就能把歌曲唱得动听悦耳。

四、让学生注意歌唱时候的声音处理。

在音乐教学中，我们好多老师喜欢习惯性的放录音给学生听，这样可以培养学生听唱能力的提高，对学生的鉴赏能力和音乐记忆能力的培养都有好处，但是歌曲中的有些声音需要处理的细节却没有好处，要想达到真正的演唱效果，我们每个教师都要进行犯唱，这样学生的模仿能力才能得到真正的提高，教师在犯唱的时候要带有感情的去唱歌曲，把学生容易唱错的地方要进行对比唱，提高学生听辨能力，这样就可以让学生对声音的处理有一个认识。

五、让学生明确不同的歌曲需要用不同的情绪来表现。

让学生在一首新的歌曲前，用自己的感受去体会歌曲表现是什么样的一种意境，让学生展开讨论，相互发表自己的感受，然后再进行集体的讨论，这样就更加有利于加深学生对歌曲的理解。例如在歌唱《我是一个小鼓手》的时候，可以将自己想象成是一名真正的鼓手，这样学生在演唱的时候就会充满激情的去唱这首歌曲，而且会很容易的掌握住歌曲的节奏，学生体会到了当中的意境，就更容易接受，理解并表现出来。教师本身要以真实的情感和饱满的精神状态投入到歌曲的意境中去，并用生动的语言去激发学生的情感，还可以用周围的生活环境等方式让学生好像身临其境，这样就可以更好的促进学生对歌曲情绪意境的理解。此外，在我们还要重视音乐欣赏和音乐表演的教学，这一环节也是可以提高学生的音乐鉴赏力，感受力和表现力的有效途径。

音乐素养论文

我一直觉得音乐的世界是一种虚拟中的征服，它用不同的方式征服着不同种类的人的心情再普通的人，不管他的知识层面如何，不管他的地域文化所带来的差异如何，他都具有一样与生俱来的能力，那就是音乐鉴赏的能力。音乐对于喜欢他的人来说只限于欣赏的品位和能力。对他的了解并不仅仅限于听上，要从各方全面了解。具有良好的音乐鉴赏能力对情感的培养和素养的提升都有很大的帮助，音乐鉴赏是我们在听觉感知，情感体验，想象联想，创造性思维等心理活动融为一体的音乐审美实践活动。我们的审美能力就是在这种独特的艺术活动过程中培养和熏陶出来的。我对音乐没有很深入的了解，只是喜欢而己。以前我一直在追求能够听懂音乐。直到有一天，从音乐鉴赏这门课中明白到，音乐是没有人可以听懂的，听的只是一种感受。

说通俗点，我更喜欢摇滚乐队，也私心的想在这里介绍一下——棱镜乐队。棱镜乐队，2015年4月成立于成都。乐队成员是兄弟俩：陈恒冠(罐子)，陈恒家(咔咔)。陈恒冠年长弟弟6岁，是乐队主创担任制作人；咔咔负责混音，录制，编曲部分。后又加入贝斯手仨儿、鼓手隆隆和键盘手孙晓凡。第一次接触棱镜可能是听了网易日推的《你过来》，然后又一次无意中听到了另一首《总有一天你会出现在我身边》就觉得这个乐队风格很特别呀，超级温柔，是那种来自南方的细腻，让人特别舒服。然后马上就找来别的歌听听，《克林》也是一如既往的好听，所以就开始对其他歌也抱有期待了，一听果然没有让我失望。其实我觉得我听歌还是比较挑的，说喜欢民谣吧，有的歌手还是欣赏不来，说喜欢摇滚吧，又不太爱听其中有些吵吵闹闹的音乐。棱镜真的是第一个让我有感触的乐队了，从前听民谣大都是一个人的声色犬马，各安天涯，棱镜给了我很不一样的感觉，他不是民谣，更不是摇滚，说流行吧也不是很流行，我也不清楚他们是什么，只知道他们带给我很多感触。这个乐队很新，做的音乐很舒服。我不是专业的音乐人，但是喜欢他们的音乐，就仅仅是喜欢，非要概括他们的音乐风格的话，应该是民谣混合摇滚带点流行。罐子是机场的飞机机械师，之后因为不喜欢飞机的机油味和半体制化的公司，决定追求他喜欢过的生活。他说，前几年他是被生活所选择的，但这几年他选择了自己的生活。“我过得很舒服，我满意我的生活状态，所以做的音乐也很舒服。”“我的音乐就像我的宠物狗，主人不会强加他和别人握手，所以他过得很舒服。”《机场雷雨》是棱镜乐队的一首很具有理想主义和现实主义色彩的歌，我主要喜欢的也不是这首歌的旋律、节奏或者歌词，主要是爱那种氛围感。机场雷雨声开启整首歌，整座城市都在看着一个飞机机械师挥舞着指挥旗，指导飞机降落。雨水打在罐子厚厚的眼镜片上，打在乘客初到这座城市无所谓的心情中。你在一架夜航飞机上，客舱的灯调暗了，和一群未知的人，飞向一个未知的目的地，你不知道未来怎样，只能闭上眼睛，飞机驶入云层的黑暗里。反而是跑道上的罐子更加淡定与从容，并点燃了一根黑兰州。罐子是兰州人，好巧不巧，我也是兰州人，所以我更有了一种喜爱对于他们。罐子从小和吉他手弟弟学古典音乐长大。所以情怀相比于摇滚精神要重一些。棱镜乐队的歌很有动感，但却很可以让人平静下来。在听完最后一个鼓点后，可以让我想一些东西。就像电影一样，好看的片子是可以让人散场后静下来，回程的公交上拉着扶手，想一想关于自己的、关于他人的、关于生活的、关于热爱的油盐酱醋茶和理想。其实棱镜乐队的歌更多的是生活和热爱，而并非理想和白日梦。他们的歌会很有画面感，你可以看到《机场雷雨》中的飞机机械师在跑道上违反规定点起了烟，烟头落在雨洼里。可以看到《旧时除夕》里的母亲开心地陪着孙子们在跑，却看着门外，儿子几时回。可以看到《等你降落》机场候机楼的眼神和期盼，男生抱了一束并不鲜艳的鲜花。你会发现，这就是生活，这就是音乐。不存在25岁就死，75才埋的道理，生活一直会继续，你总会有感悟和理解。棱镜乐队说：一切的事情，都是在你没准备好的时候就开始，在你准备好的时候就结束。生活也是如此，你猝不及防地诞生在医生的白大褂和亲人光怪陆离的眼神中，当你看透尘世后，才沉沉睡去，并一去不反。所以棱镜他们只是在折射生活中发出的光，让你思考自己没有过好的人生，并教会你前进的力量。所以我觉得这就是棱镜乐队，这就是生活与热爱。他们的音乐起初只是为了连接彼此，但在后来的音乐创作中，他们用音乐记录下更广阔的世界。陈恒冠说：“棱镜乐队记录的是每个认真生活的人的故事，希望能透过棱镜，你成为你。”一切艺术家总有发现美的天赋，他们构筑的理想国出自真实生活，也确实高于生活。作品里没有高歌猛进的呐喊；没有粗鄙褴褛的现实；没有痛彻心扉的决绝；也没有奋不顾身的勇气。一切都是平和的，只是一个安安静静在讲故事的人。几乎所有的文艺工作者，身上似乎都拥有一个特质。在被枯燥的生活磨平棱角的前夜，他们依旧守护着心里的那份热爱，比如一个画家梦，一个作家梦。一个辞职的飞机维修人员拿着一把吉他，开始了自己的音乐梦。拉着弟弟，一个负责主创制作，一个负责混音编曲，就这样，未被磨平的棱角变成了棱镜。6年来，14张专辑，棱镜的每一首歌都散发浓浓理科生味儿的极致浪漫，尽管没有名声大噪，但真诚的音乐总会被有缘人听到。在他们的歌里面感受自己的故事以及专属棱镜的温柔，也许，我们每个人都想像《克林》一样洒脱，热爱生活，无所畏惧，跨上摩托车戴好头盔，上扬着嘴角，骑行在未知的路上。南京巡演，台上唱着《总有一天你会出现在我身边》，穿着白t的短发女孩从后台慢慢走上舞台中间，这是她一生中最勇敢的瞬间，今天她来向台下喜欢的男孩告白。全场起哄，女孩依旧将告白到底。告白内容如下：我是来跟喜欢男孩子告白的，一直说有事想告诉你，现在我讲了，我喜欢你。之前我是想一个人流浪的，但是遇到你之后不一样了，我想带你走进我的生活，也想进入你的生活，我想把我所有喜欢的事情都介绍给你，想和你看我所有喜欢的乐队现场，甚至连今天喝的奶茶有几颗珍珠都想告诉你。但是如果你对我们这段关系有另外的看法，我也愿意尊重并接受。遇见你之前，我一直活在上一段感情的痛苦上，我不愿意走出来，也不想别人拉我出来，经常自闭。但是你出现，我所有的难过，都因为你消化掉了，那些折磨我的瞬间统统消失不见了，我可以满心欢喜的拥抱春天，所以很感谢你出现在我身边，我希望和你一起经历所有的美好，也希望你遇到所有的不美好，我都可以在你身边陪你。明天周六，可以把我们一起出去玩，改成我们去约会吗？这个视频，我看了好几遍，也分享给了几位朋友。我一直在想，人好像是要抱有总有一天你会出现在我身边的爱情期待，也还需要主动和她靠近的勇敢。女孩上台告白那天是3月29号，将近两个月后的5月20号，棱镜乐队发表了他们的新歌《这是我一生中最勇敢的瞬间》，歌曲的创作源泉正是源于女孩的那场勇敢告白。除了歌词里隐藏着女孩那天的告白词外，歌曲的副歌之处还收录了女孩告白里的那句，“明天周六可以把我们一起出去玩，改成我们去约会吗？”。世界上摇滚乐有很多种，金属、朋克、英伦等等。浪漫主义摇滚乐，是我听到某支乐队后脑海中不自然浮现的一个名字，这个从未在真实历史中被使用的两个名词，是我认为这支小众乐队最恰当的形容。我想了很久，音乐素养论文到底写什么，想了很久，还是想写勉强算摇滚的棱镜乐队，也不算偏体。为什么写他们，想来大概是，他们的每一首歌都可以把我带入到里面。他可以让你在孤单的时候想起曾经的美好，让你在身边有人陪的时候感觉到世间的温柔，最后也希望我们都能做勇敢的人。

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